Poucos nomes no futebol brasileiro ocupam um espaço simbólico tão consolidado quanto o de Zico. Frequentemente colocado ao lado de Pelé, Garrincha, Sócrates, Rivelino, Falcão e Tostão entre os maiores jogadores da história do país, o ex-camisa 10 construiu uma trajetória que atravessa décadas, clubes e continentes. Ídolo absoluto do Flamengo, também defendeu a Seleção Brasileira e teve passagem pela Udinese, na Itália, antes de se tornar peça central na consolidação do futebol no Japão com o Sumitomo Metals, posteriormente rebatizado como Kashima Antlers. Já como treinador, ampliou sua presença internacional com passagens pela Seleção Japonesa de Futebol e por clubes como Fenerbahçe, CSKA Moscou e Al-Gharafa, consolidando uma influência que ultrapassa o campo.

ENTRE A MEMÓRIA E A SUPERFÍCIE

No filme “Zico, o Samurai de Quintino”, dirigido por João Wainer, a proposta é revisitar esse legado a partir de um olhar íntimo e histórico, ancorado em imagens raras e no arquivo pessoal do jogador. O documentário percorre sua vida de forma linear, do subúrbio carioca de Quintino Bocaiuva ao estrelato na Seleção Brasileira e à consagração no futebol japonês, costurando gols emblemáticos, momentos históricos e depoimentos de nomes como Júnior, Carlos Alberto Parreira, Paulo César Carpegiani e Ronaldo Nazário.

Há um cuidado estético e narrativo em contextualizar cada fase da vida e da carreira, mas o filme opta por um tom constante, quase uniforme, que atravessa tanto os momentos de glória quanto aqueles que poderiam trazer maior tensão ou emoção. Episódios potencialmente mais complexos, como críticas ao seu desempenho em Copas do Mundo, incluindo o pênalti perdido contra a França em 1986, as lesões importantes e até o contexto político da época envolvendo os irmãos, são abordados de forma superficial e sem maior contundência. Essa escolha reduz o impacto dramático e limita a construção de um retrato mais profundo.

Zico nunca foi um personagem marcado por grandes escândalos, mas sempre teve posicionamentos firmes e decisões relevantes ao longo da carreira. Ainda assim, o documentário evita explorar essas zonas de atrito. Controvérsias esportivas e escolhas importantes aparecem de forma rápida, quase protocolar. O pênalti de 1986 é relativizado, as críticas ao seu desempenho em Mundiais são apenas mencionadas e a decisão de ir para o Japão surge sem aprofundamento sobre contexto ou motivação. São elementos que poderiam enriquecer a narrativa, mas acabam diluídos em meio à construção de um legado já consolidado.

SEM SURPRESAS E COM LIMITES

Apesar do acesso privilegiado ao acervo pessoal, o documentário raramente surpreende. Há uma sensação de controle sobre o que é revelado, como se a narrativa evitasse desconfortos e preferisse a segurança de um percurso já conhecido. O resultado é uma homenagem respeitosa, mas que pouco se arrisca a explorar o lado mais humano do personagem.

Fica a sensação de que havia espaço para ir além: investigar suas opiniões com mais profundidade, revisitar decisões sob novas perspectivas e explorar as contradições que fazem parte da construção de qualquer ídolo.

PARTICIPAÇÕES ESPECIAIS

As participações reforçam a importância de Zico dentro e fora de campo, mas também evidenciam ausências. No bloco dedicado ao Japão, por exemplo, o filme reconhece sua relevância na estruturação do futebol local, mas não aprofunda essa relação a partir de novos olhares, especialmente de jogadores ou profissionais que conviveram diretamente com ele naquele contexto.

MITO, IMAGEM E CONSTRUÇÃO

A passagem pelo Japão é tratada como um ponto de virada simbólico, associando Zico a valores de disciplina e rigor ligados à figura do samurai. No entanto, essa construção permanece mais no campo da imagem do que da investigação. A relação com o Flamengo é celebrada por meio de gols e conquistas, mas pouco explora a dimensão afetiva dessa conexão ao longo do tempo com torcedores, especialmente no presente. Questões mais íntimas ou decisões controversas surgem de forma pontual, sem desenvolvimento.

O filme é visualmente bem resolvido e sustentado por um material de arquivo valioso. Cumpre o papel de registrar e homenagear a trajetória de um dos maiores ídolos do futebol brasileiro. No entanto, sua abordagem revela os limites de uma produção que, ao mesmo tempo em que garante amplo acesso ao personagem, restringe o alcance da narrativa a um retrato respeitoso e informativo, mas que permanece na superfície de uma história que poderia ter mais profundidade.

Ao final, fica a sensação de que entender Zico em sua totalidade exigiria justamente o que o filme hesita em fazer: sair do treino e encarar o jogo.

FICHA TÉCNICA

Título: Zico, o Samurai de Quintino
Direção: João Wainer
Roteiro: Thiago Iacocca
Produção: André Wainer, Bruno Tinoco, Gabriel Wainer, Luiz Porto, Pedro Curi
Direção de arte: Claudio Amaral Peixoto
Montagem: André Felipe Silva, João Wainer
Duração: 107 minutos
Classificação indicativa: 12 anos
Gênero: Documentário
País: Brasil
Idioma: Português, Japonês
Estúdios: Vudoo Filmes, Globo Filmes, Guará Entretenimento
Distribuição: Downtown Filmes
Data de estreia: 30/04/2026

Texto: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

De volta aos cinemas 20 anos depois, O Diabo Veste Prada 2, sequência de O Diabo Veste Prada (2006), resgata a nostalgia ao reunir novamente o quarteto Miranda Priestly (Meryl Streep), Andy Sachs (Anne Hathaway), Emily Charlton (Emily Blunt) e Nigel Kipling (Stanley Tucci).

Personagens que marcaram o imaginário do público e se tornaram parte do repertório cultural da moda, ao apresentarem os bastidores de uma das revistas mais influentes dos Estados Unidos e do mundo. Além do ecossistema que a cerca, entre desfiles de semana de moda, campanhas editoriais e o ritmo intenso da indústria.

Novamente sob direção de David Frankel e roteiro de Aline Brosh McKenna, o filme mantém o DNA do original e o estilo visual fiel à personagem icônica, equilibrando humor ácido, ritmo acelerado e um olhar atualizado sobre os bastidores da moda nos anos 2020, ao abordar como a geração TikTok e os influenciadores transformaram esse universo.

A narrativa acompanha Andy Sachs (Anne Hathaway) em um novo momento de carreira, mais experiente e consolidada, distante da assistente que corria pelas ruas de Nova York carregando cafés. Agora reconhecida, ela se reaproxima do universo editorial, o que a coloca novamente em rota de tensão com Miranda Priestly (Meryl Streep). A partir desse reencontro, o filme reconstrói sua principal dinâmica ao inserir a protagonista em novos e antigos desafios, exigindo que ela se prove em um cenário em constante mudança.

Sem se afastar completamente da estrutura do primeiro longa, a sequência aposta em conflitos já conhecidos, atravessados por um mercado em transformação. Muitos comportamentos permanecem praticamente inalterados, reforçando a sensação de retorno a um universo já familiar. Referências visuais e narrativas, como o icônico suéter cerúleo, ampliam o sentimento de pertencimento do público. Nesse contexto, a pergunta deixa de ser apenas “quem manda na moda” e passa a ser “quem ainda consegue se manter relevante”, enquanto a relação central se revela menos como um romance e mais como uma dinâmica marcada por admiração, conflito e uma certa dose de amizade ácida.

SURPRESAS E TRILHA SONORA

A participação de Lady Gaga é a verdadeira surpresa do longa, ainda que já revelada na première americana na semana passada, e funciona como um dos pontos altos do filme. Mesmo com pouco tempo de tela, sua presença adiciona um tom cômico e performático, especialmente nas cenas ambientadas em Milão, gravadas durante uma pausa de sua turnê Mayhem Ball Tour, em 2025.

A trilha sonora é um destaque à parte. Além de integrar o elenco musical, Gaga também assina a produção e constrói uma seleção majoritariamente feminina, transitando entre o pop industrial e baladas mais alternativas. Entre os destaques estão “Walk of Fame”, de Miley Cyrus, que acompanha a maturidade da personagem de Anne Hathaway; “French Girls”, de Dua Lipa, já com cara de hino de passarela; “Runway”, parceria entre Gaga e Doechii, que atravessa a narrativa; a inédita “Gilded”, presente em um dos momentos mais marcantes do filme; e “Vogue”, de Madonna, em versão remix, como aceno direto à nostalgia.

A provável playlist:

MODA, MÍDIA E ALGORITMOS

Um dos principais acertos do filme está na tentativa de atualizar seu contexto. A narrativa incorpora discussões sobre a influência das redes sociais, a ascensão dos criadores de conteúdo e o enfraquecimento das publicações impressas.

Esse novo cenário cria tensões interessantes sobre autoridade, curadoria e relevância em um ambiente onde tendências nascem e morrem em questão de horas, ainda que o filme nem sempre aprofunde essas questões.

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Visualmente, o filme mantém o cuidado estético, com figurinos e ambientações bem executados, impulsionados por uma adesão massiva de marcas de luxo que toparam integrar a sequência. A presença de grandes casas de moda reforça o peso cultural do projeto, mas, em excesso, transforma parte dessa sofisticação em vitrine, funcionando mais como superfície do que como elemento narrativo.

O ritmo acelerado reflete a ansiedade das redes sociais, mas compromete o desenvolvimento de algumas sequências, que muitas vezes se resolvem rápido demais ou recaem em estruturas já conhecidas. Ainda que haja uma tentativa de evolução nos cenários e personagens, essa atualização nem sempre se traduz em aprofundamento. Ver Andy Sachs e Emily Charlton lidando com os desafios após duas décadas de carreira é interessante, mas muitas dessas situações soam mais como variações do que como novos caminhos. Já Miranda Priestly segue dominante em cena, agora com menos força de ineditismo, mas ainda como símbolo de um prestígio que resiste em um mundo cada vez mais guiado por algoritmos e inteligências artificiais.

Com estreia marcada para esta quinta-feira (30 de abril), o filme tenta trazer à tona discussões sobre a relevância da mídia e a possível morte do impresso, mas sem se aprofundar plenamente em nenhuma delas. Mesmo com atuações consistentes e um roteiro que flerta com a acidez do original, O Diabo Veste Prada 2 é competente, mas confortável demais em revisitar fórmulas antigas, evitando tensionar de fato o presente que tenta retratar. Reforça a ideia de que estilo pode ser eterno, mas relevância precisa ser constantemente disputada.

FICHA TÉCNICA

Título original: The Devil Wears Prada 2
Direção: David Frankel
Roteiro: Aline Brosh McKenna
Produção: Wendy Finerman
Direção de fotografia: Florian Ballhaus
Montagem: Andrew Marcus
Trilha sonora: Theodore Shapiro
Elenco: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Justin Theroux, Kenneth Branagh
Duração: 119 minutos
Classificação indicativa: 12 anos (equivalente a PG-13)
Gênero: Comédia, Drama
País: Estados Unidos
Idioma: Inglês
Estúdio: Wendy Finerman Productions
Distribuição: 20th Century Studios

Texto: Ítalo Rabelo @italocobain
Revisão: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

O filme dirigido por Antoine Fuqua se estrutura como um grande espetáculo musical que prioriza a construção do mito e a recriação de performances icônicas, ensaiando em alguns momentos um olhar mais íntimo sobre o homem por trás da figura pública de Michael Jackson.

A narrativa percorre a primeira metade da vida do artista, da infância em Gary, Indiana, nos anos 1960, passando pelo sucesso com os The Jackson 5 entre o fim da década de 1960 e meados dos anos 1970, pela fase dos The Jacksons no fim dos anos 1970, até a consolidação da carreira solo a partir de Off the Wall (1979) e, sobretudo, Thriller (1982). Mais do que reconstituir fatos, o roteiro se concentra em reforçar a dimensão extraordinária de sua trajetória.

O filme prioriza a humanização de seu protagonista, evidenciando sua solidão, o vínculo mais afetivo com animais do que com outras pessoas, além de sugerir as marcas de uma infância interrompida. Um artista tão empenhado em encontrar a perfeição que levou essa autocobrança para a vida privada, sofrendo desde cedo com problemas de autoimagem, intensificados pelo avanço do vitiligo e pelas sequelas do acidente durante o comercial da Pepsi, em 1984, que lhe causou a perda definitiva de parte do cabelo e dores crônicas. Questões como a relação com o pai, Joe Jackson, ocupam a maior parte dos conflitos retratados.

É na execução que Michael encontra forças, pois o diretor equilibra momentos dramáticos com recriações de performances que funcionam como verdadeiros números de palco, em eletrizantes apresentações de músicas como Human Nature, Bad e Billie Jean, esta última recriada no histórico Motown 25, quando o artista apresentou o moonwalk ao mundo. O filme também se destaca pelo cuidado acentuado com os detalhes, tanto na cronologia dos eventos quanto nos aspectos técnicos, como maquiagem e figurino. Já os bastidores da criação de álbuns icônicos, como Off the Wall e Thriller, ajudam a contextualizar sua transformação em um fenômeno global.

As atuações acompanham esse esforço: o pequeno Juliano Valdi é eficiente na fase infantil, mas é Jaafar Jackson quem sustenta o filme na vida adulta, com uma interpretação que reproduz com precisão voz, gestos e presença de palco. Já Colman Domingo imprime intensidade ao retrato do pai, contribuindo para alguns dos momentos mais dramáticos da obra.

Como em diversas cinebiografias, o recorte impõe limites. Um filme de pouco mais de duas horas não é suficiente para condensar quase 30 anos de história, e a narrativa opta por deixar algumas lacunas, seja na ausência de músicas importantes, seja na pouca exploração de fases específicas da carreira, como a participação em The Wiz.

Nesse sentido, Michael funciona melhor como espetáculo do que como investigação. Ainda assim, ao apostar na experiência sensorial e na recriação de momentos históricos, entrega um produto com amplo apelo e evidente vocação comercial, já pavimentando o caminho para uma possível continuação, que deve abordar da era Bad até o ano de sua morte (2009).

Para o público, sobretudo os fãs do cantor e de música, o filme funciona como um espetáculo que vai além da experiência tradicional de cinema e, em diversos momentos, se aproxima da energia de um show de Michael Jackson.

Michael

2026 • Estados Unidos • Biografia • 127 min • 12 anos
Direção: Antoine Fuqua
Roteiro: John Logan
Elenco: Jaafar Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Colman Domingo, Miles Teller, Juliano Valdi
Produção: Graham King, John Branca, John McClain
Direção de fotografia: Dion Beebe
Montagem: John Ottman, Harry Yoon
Música: Lior Rosner
Distribuição: Universal Pictures
Estreia: 23/04/2026

Texto: Kevin Rodrighero @_rodrighero
Edição: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

Super Mario Galaxy: O Filme não chega em terreno neutro. Como toda sequência de um grande sucesso, carrega o peso das expectativas criadas pelo antecessor. Depois do desempenho bilionário de “Super Mario Bros. O Filme” (2023), que conciliou críticas equilibradas com enorme sucesso de público, o novo capítulo surge com outra proposta: a expansão de universo, acompanhada de uma narrativa pouco consistente, ainda que com alta qualidade técnica.

Na trama, Mario (Chris Pratt) e Luigi (Charlie Day), após salvarem o Reino dos Cogumelos, embarcam em uma nova jornada ao lado de Peach (Anya Taylor-Joy) e do novo e carismático companheiro de viagem, Yoshi (Donald Glover), enfrentando uma ameaça cósmica que coloca toda a galáxia em risco na tentativa de salvar a princesa Rosalina (Brie Larson). A premissa é simples e deveria funcionar como ponto de partida para uma aventura visualmente expansiva, que percorre diferentes universos inspirados em jogos clássicos da franquia.

Tecnicamente, o filme impressiona. A direção de arte e os gráficos acompanham o alto nível das animações atuais, criando mundos vibrantes, coloridos e dinâmicos. A trilha sonora é competente e reforça o ritmo acelerado da narrativa. Muito se fala sobre a qualidade da dublagem brasileira, com Raphael Rossatto (Mario) e Manolo Rey (Luigi), frequentemente considerada uma das melhores do mundo, mas, na prática, ela pouco altera a experiência do filme, que se sustenta muito mais no visual do que na força das vozes.

O problema está no roteiro, que não sustenta nada disso. O filme se aproxima de uma lógica de vídeos de TikTok, com sequências de ação conectadas por referências e personagens dos jogos. Muitos deles são inseridos sem contextualização, enquanto os conflitos são simplórios e rapidamente descartados. Há uma tentativa de vilania com Bowser (Jack Black) e Bowser Jr. (Benny Safdie), que inicialmente sugerem uma ameaça, mas são rapidamente esvaziados, sem peso ou consequência na narrativa.

O ritmo, que deveria ser um aliado, se torna um obstáculo. O excesso de referências e estímulos cria um oversharing colorido constante, que cansa ao longo dos 99 minutos e reforça a sensação de que o filme funciona mais como uma vitrine de produtos de merchandising do que como uma história coesa. O fan service, em vez de enriquecer, acaba saturando.

O humor também oscila. Em muitos momentos, soa forçado e dependente do reconhecimento imediato de referências aos jogos, sem conseguir sustentar uma camada mais universal que dialogue com diferentes públicos. Isso impacta diretamente no envolvimento emocional, que praticamente não se desenvolve. O filme diverte em momentos pontuais, mas não emociona.

Existe uma tentativa clara de operar em duas frentes: ativar a nostalgia de adultos fãs da franquia de jogos e, ao mesmo tempo, conquistar um novo público infantil. No entanto, ao tentar atender ambos, o filme acaba não se aprofundando em nenhum dos dois lados. Para quem não é fã, pode soar como um universo caótico. Já para o público infantil, pode funcionar pela repetição, pelos personagens cativantes, pelas cores e pela sucessão constante de estímulos visuais.

“Super Mario Galaxy: O Filme” funciona como produto e provavelmente será um sucesso comercial de bilheteria, expandindo o universo da franquia para mais pessoas, com grande potencial de consumo. Mas, como cinema, deixa a sensação de uma oportunidade desperdiçada, em que a execução técnica é impecável, enquanto o roteiro segue em dívida com a própria ambição da continuidade de expansão da franquia.

SUPER MARIO GALAXY: O FILME

2026 • Estados Unidos • Animação • 99 min • 6 anos
Direção: Aaron Horvath, Michael Jelenic
Elenco (vozes originais): Chris Pratt (Mario), Charlie Day (Luigi), Anya Taylor-Joy (Princess Peach), Donald Glover (Yoshi), Jack Black (Bowser), Keegan-Michael Key (Toad), Kevin Michael Richardson (Kamek), Benny Safdie (Bowser Jr.), Brie Larson (Rosalina), Issa Rae (Honey Queen), Luis Guzmán (Wart), Eric Bauza (Toad General), Glen Powell (Fox McCloud), Ed Skudder (R.O.B.), Virginia Dare Jelenic (Yellow Luma), Juliet Jelenic (Lumalee), Roxana Ortega (Ukiki), Carlos Alazraqui (vozes adicionais)
Distribuição: Universal Pictures
Estreia: 01/04/2026

Texto: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

Em uma forma mais silenciosa e delicada de falar sobre amor, “A História do Som” apresenta uma história de busca por identidade, memória e identificação cultural a partir de sons e da música, em uma clara metáfora sobre a descoberta de pessoas LGBT+ e seu lugar no mundo.

O filme de Oliver Hermanus, diretor sul-africano, se interessa por histórias anônimas que existem às margens, muitas vezes nos extremos do país, e aposta menos no conflito explícito e mais na construção de uma atmosfera sensorial que se sustenta na fotografia e na música.

Ambientado em 1917, o filme acompanha Lionel (Paul Mescal) e David (Josh O’Connor), dois estudantes que se conhecem no Conservatório de Boston e se conectam a partir de uma viagem pelo interior do Maine para registrar canções tradicionais. A premissa é simples, mas o que se constrói a partir dela é uma narrativa que se desenrola em camadas sensíveis, onde o afeto surge nos intervalos das viagens, nos silêncios e nos gestos contidos.

Muitos comparam a narrativa LGBT+ no campo com “Brokeback Mountain” e “Call Me By Your Name”, mas aqui o caminho é outro. Essa estrutura do romance entre dois homens existe, mas o filme parece mais interessado em investigar uma amizade que se transforma a partir de uma busca artística e sonora. A música funciona como elo e como dispositivo de memória na construção de identidades ao longo do caminho. Cada canção registrada carrega um passado e, aos poucos, esses registros passam a refletir também o vínculo entre os protagonistas.

O filme constrói um arco emocional que pode parecer lento e que não se apoia em grandes viradas, mas na experiência que precisa ser sentida. À medida que o espectador aceita o ritmo da narrativa, o vínculo entre os personagens ganha densidade e se revela como uma história de amor construída mais por sensações e poucas cenas de sexo ou ação.

Paul Mescal e Josh O’Connor trabalham em direções quase opostas. Mescal constrói um personagem mais introspectivo, de presença contida, enquanto O’Connor é mais expansivo na forma como se comunica. Essa diferença não só sustenta a dinâmica entre os dois como dá ritmo ao filme indo até o futuro. É interessante ver dois atores britânicos incorporando personagens americanos com naturalidade, sem que isso soe como um exercício de sotaque, mas sim como uma construção emocional muito rica.

A direção de Oliver Hermanus reforça essa proposta ao criar um filme que parece ter uma “onda própria”. Não há pressa nem concessões fáceis. A fotografia valoriza paisagens e texturas, enquanto a trilha e as canções pesquisadas funcionam como espinha dorsal da narrativa. A música folk da época não está ali apenas como ambientação, mas como ferramenta de construção de identidade, tanto individual quanto coletiva, assim como a diversidade de gênero.

Existe também um cuidado evidente em tratar o relacionamento dos personagens fora de estereótipos. Mesmo sendo interpretados por atores heterossexuais, a entrega de ambos evita qualquer artificialidade. O desejo e o afeto aparecem de forma orgânica, sem didatismo, o que dialoga com a filmografia de Hermanus e sua forma de retratar personagens LGBT+ com humanidade.

A História do Som é um filme que exige disposição para entrar no seu ritmo. Não é sobre grandes reviravoltas, mas sobre permanência. Sobre aquilo que fica depois que a música termina. E, nesse sentido, Hermanus reafirma sua assinatura como um diretor interessado em escutar, mais do que em explicar.

A HISTÓRIA DO SOM

2026 • EUA, Reino Unido, Suécia • Drama • 127 min • 14 anos
Direção: Oliver Hermanus
Elenco: Paul Mescal (Lionel), Josh O'Connor (David), Chris Cooper (Lionel), Leo Cocovinis (Young Lionel), Raphael Sbarge (pai de Lionel), Molly Price (mãe de Lionel), Samuel Levine (amigo no bar em Boston), Tom Nelis (avô de Lionel), Cate Finck (criança #1), Colin Keane (criança #2), Katie Parkinson (filha #1), Mary Paola (filha #2), Aedin Moloney (Mary Conway), Dion Graham (Will Swain), Alison Bartlett (Samantha), Briana Middleton (Thankful Mary Swain), Alessandro Bedetti (Vincent), Emma Canning (Clarissa Roux)
Distribuição: Imagem Filmes
Estreia: 26/02/2026

Texto: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

O filme é dirigido por Robin Campillo (120 Batimentos por Minuto, Garotos do Leste), Laurent Cantet (Entre os Muros da Escola, Arthur Rambo - Ódio nas Redes, Retorno a Ítaca) e Gilles Marchand (Harry, um Amigo que lhe Quer Bem, O Monge). O projeto nasce atravessado por um peso dramático: último trabalho de Cantet, que faleceu em 2024, e foi finalizado por Campillo e Marchand como um gesto de continuidade.

A história acompanha Enzo (Eloy Pohu), um adolescente de classe média alta que, aos 16 anos, rompe com seu destino burguês, traçado pelos pais, ao escolher trabalhar como aprendiz de pedreiro em um canteiro de obras na cidade. A premissa ecoa um modelo já bastante reconhecível no cinema francês, ao articular escolhas individuais com questões sociais mais amplas.

Na vila ensolarada no sul da França, o contraste entre o ambiente familiar e o canteiro de obras evidencia o abismo entre privilégio e realidade. É nesse espaço que Enzo entra em contato com trabalhadores imigrantes, como o ucraniano Vlad (Maksym Slivinskyi), que introduz uma dimensão de deslocamento e tensão contemporânea ligada à guerra em seu país, sem que o filme a desenvolva plenamente.

O filme não se estrutura como um coming-of-age tradicional. Ele acumula temas que, às vezes, funcionam mais como pano de fundo do que como forças dramáticas ativas. Ao mesmo tempo, tensiona as expectativas familiares, especialmente na relação com os pais, Paolo (Pierfrancesco Favino) e Marion (Élodie Bouchez), e na comparação com o irmão Victor (Nathan Japy), que já tem seu futuro encaminhado.

Quando se concentra no campo íntimo e nas questões LGBT+, o filme encontra seus melhores momentos, especialmente na química entre os atores. A aproximação com Me Chame Pelo Seu Nome aparece na construção delicada do desejo, mas o filme se distancia ao evitar o aprofundamento das próprias tensões entre os personagens.

Há uma sensação constante de deslocamento. Enzo atravessa seus mundos, muitas vezes em movimento, sobre sua moto, sem pertencer completamente a nenhum deles. O filme acompanha esse estado mais pela observação do que pela ação, confronto ou resolução.

No fim, Enzo constrói um retrato insuficiente de um adolescente em suspensão diante das escolhas do mundo ao seu redor. É um filme sobre tornar-se adulto e LGBT+ dentro de uma estrutura de privilégios, que observa mais do que aprofunda, e encontra justamente nessa limitação sua principal contradição.

ENZO

2026• Itália, Bélgica, França • Drama • 102 min • 16 anos
Direção: Robin Campillo, Laurent Cantet, Gilles Marchand
Roteiro: Robin Campillo, Laurent Cantet, Gilles Marchand
Elenco: Eloy Pohu, Pierfrancesco Favino, Élodie Bouchez
Distribuição: Mares Filmes

Texto: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

A Pequena Amélie é uma fábula delicada sobre descobertas e encantamentos do mundo, vista pelos olhos de uma criança dos 2 aos 3 anos de idade. Amélie é a filha mais nova de uma família belga que muda para o Japão com seus três filhos, inicialmente a criança nasce sem muitas expressões, uma especie de transe interno e acaba “acordando“ pra vida aos dois anos no Japão.

O filme experimenta tudo de forma muito sensorial: a textura da água, o movimento das carpas, a chuva que cai do céu. A animação traduz visual e sonoramente essas experiências, aproximando o espectador da percepção íntima e poética da menina, e trabalha de maneira metafísica e simbólica, como quando Amélie associa as carpas aos homens, tentando compreender seu irmão, sua irritação e o funcionamento misterioso de suas relações. Esses momentos revelam como uma criança tão pequena encara emoções complexas sem julgamentos, e como a narrativa consegue transmitir isso de forma clara.

A relação com sua cuidadora, Nishio-san, introduz um choque cultural delicado: Amélie navega entre sua herança belga através da sua descoberta com o chocolate e aprende os costumes e mitologias japonesas, descobrindo aos poucos as sutilezas de viver entre duas culturas. A história se apoia também em um contexto cultural, mostrando famílias estrangeiras no Japão e suas diferenças de percepção do mundo, localizado em um pós segunda guerra.

O filme é baseado no romance autobiográfico La Métaphysique des Tubes, de Amélie Nothomb o que reforça a relação entre memória, imaginação e percepção da infância. A animação é impecável, poética e cheia de simbolismos; a trilha sonora acompanha de forma envolvente, tornando cada momento sensorial ainda mais emocionante, mesmo na versão dublada.

Indicada ao Oscar 2026 de Melhor Animação, A Pequena Amélie é uma obra que celebra a sensibilidade, a imaginação e a riqueza das pequenas descobertas da infância, convidando o espectador a redescobrir o mundo com olhos atentos e coração aberto.

A Pequena Amélie

França | 2025 | 78 min. | Animação | 6 anos | Acessibilidade PingPlay
Título Original: Amélie et la Métaphysique Des Tubes | Little Amélie or the Character of Rain
Direção: Maïlys Vallade, Liane-Cho Han Jin Kuang
Roteiro: Amélie Nothomb, Liane-Cho Han Jin Kuang, Aude Py
Vozes Originais: Loïse Charpentier, Victoria Grobois, Yumi Fujimori
Distribuição: Mares Filmes | Alpha Filmes

Texto: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

A temporada mundial de prêmios chega ao fim com o Oscar 2026, a maior premiação do cinema americano e um dos momentos mais aguardados por cinéfilos de carteirinha como a gente. A lista deste ano mistura grandes produções de estúdio e cinema de autor e, mais uma vez, conta com presença brasileira: O Agente Secreto, de Kleber Mendonça Filho, aparece com quatro indicações importantes. O filme concorre a Melhor Filme, Melhor Filme Internacional, Melhor Ator para Wagner Moura e Melhor Elenco.

Abaixo reunimos uma surpresa para vocês, os principais indicados e também nossas apostas para a premiação. No final da edição, você encontra onde assistir aos filmes.

MISSÃO AGENTE SECRETO COM SP24HRS E EL CABRITON

A loja El Cabriton camisetas lançou a coleção oficial de camisetas inspiradas no filme O Agente Secreto, reunindo artistas independentes que reinterpretaram o universo do longa em estampas autorais. Para celebrar o lançamento, o SP24hrs e a marca vamos recrutar dois novos agentes entre os leitores.

A missão é simples, deixe um comentário criativo nesta newsletter respondendo à pergunta:

Se você fosse um agente secreto em São Paulo, qual seria o seu codinome e qual seria a sua missão secreta na cidade?

O vencedor poderá escolher entre as oito artes criadas especialmente para o filme:

• Lisa e Elis — @alvx091
• O Agente Secreto – Formatinho da EBAL — @mauricio.owada
• Turbilhão de Problemas — @daniloperesinlife
• Raparigou, ou não? — @leandrinho.jpg
• Perna Cabeluda Procurando Armando — @camomiiiiila
• Jeitinho Brasileiro — @ohenriqueafonso
• Linhas Secretas — @tuts.desenha
• Terrorista Procurado — @raphaelcarmo_art

COMO PARTICIPAR

1. Comente nesta newsletter do SP24hrs, com um codinome de agente secreto e conte qual seria sua missão secreta em São Paulo.

2. As respostas serão avaliadas por uma banca formada pelo SP24hrs e pela equipe da El Cabriton, considerando criatividade, humor e relação com a cidade de São Paulo.

PRÊMIOS

Os dois comentários mais criativos ganham uma camiseta unissex da coleção oficial de O Agente Secreto, da El Cabriton, com escolha entre as oito estampas da coleção.

Os vencedores serão escolhidos por uma banca formada pelo SP24hrs e pela marca.
Comentários até 13/03. Resultado em 14/03. Envio pela marca com aviso de data de entrega para os vencedores.

OS VENCEDORES DA PROMOÇÃO

Hélio Orlandin e Jonab Silveira Fernandes

LISTA COMPLETA DE INDICADOS

*NOSSO FAVORITO* & ”NOSSA APOSTA”

MELHOR FILME

Bugonia
F1
Frankenstein
Hamnet
Marty Supreme
Uma Batalha Após A Outra
*O Agente Secreto*
Valor Sentimental
”Pecadores”
Sonhos de Trem

MELHOR DIREÇÃO

Chloé Zhao, por Hamnet
Josh Safdie, por Marty Supreme
”Paul Thomas Anderson, por Uma Batalha Após A Outra”
Joachim Trier, por Valor Sentimental
*Ryan Coogler, por Pecadores*

MELHOR ATOR

Timothée Chalamet, por Marty Supreme
Leonardo DiCaprio, por Uma Batalha Após A Outra
Ethan Hawke, por Blue Moon
”Michael B. Jordan, por Pecadores”
*Wagner Moura, por O Agente Secreto*

MELHOR ATRIZ

“*Jessie Buckley, por Hamnet*”
Rose Byrne, por Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria
Kate Hudson, por Song Sung Blue
Renate Reinsve, por Valor Sentimental
Emma Stone, por Bugonia

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Benicio del Toro, por Uma Batalha Após A Outra
Jacob Elordi, por Frankenstein
”Delroy Lindo, por Pecadores”
*Sean Penn, por Uma Batalha Após A Outra*
Stellan Skarsgård, por Valor Sentimental

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Elle Fanning, por Valor Sentimental
Inga Ibsdotter Lilleaas, por Valor Sentimental
”Amy Madigan, por A Hora do Mal”
*Wunmi Mosaku, por Pecadores*
Teyana Taylor, por Uma Batalha Após A Outra

MELHOR ELENCO

Hamnet
Marty Supreme
Uma Batalha Após A Outra
”O Agente Secreto”
*Pecadores*

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

Blue Moon
”Foi Apenas Um Acidente”
Marty Supreme
Valor Sentimental
*Pecadores*

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

Bugonia
Frankenstein
Hamnet
“*Uma Batalha Após A Outra*“
Sonhos de Trem

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO

Arco
Elio
“*Guerreiras do K-pop“*
A Pequena Amélie
Zootopia 2

MELHOR FILME INTERNACIONAL

“*O Agente Secreto“*
Foi Apenas Um Acidente
Valor Sentimental
Sirat
The Voice of Hind Rajab

MELHOR DOCUMENTÁRIO EM LONGA-METRAGEM

Alabama: Presos no Alabama
Embaixo da Luz Neon
Cutting Through Rocks
*Mr Nobody Against Putin*
“A Vizinha Perfeita“

MELHOR DOCUMENTÁRIO EM CURTA-METRAGEM

“*Quartos Vazios*“
Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud
Children No More: Were and are Gone
O Diabo Não Tem Descanso
Perfectly A Strangeness

MELHOR CURTA-METRAGEM EM LIVE ACTION

Butcher’s Stain
“*A Friend Of Dorothy*“
Jane Austen’s Period Drama
The Singers
Two People Exchanging Saliva

MELHOR ANIMAÇÃO EM CURTA-METRAGEM

“*Butterfly*“
Forevergreen
The Girl Who Cried Pearls
Retirement Plan
The Three Sisters

MELHOR TRILHA SONORA

Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Uma Batalha Após A Outra
“Pecadores*“

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL

Dear Me, de Diane Warren: Relentless
“Golden, de Guerreiras do K-pop“
*I Lied To You, de Pecadores*
Sweet Dreams Of Joy, de Viva Verdi!
Sonhos de Trem, de Sonhos de Trem

MELHOR SOM

F1
Frankenstein
Uma Batalha Após A Outra
*Pecadores*
“Sirat“

MELHOR FOTOGRAFIA

Frankenstein
Marty Supreme
Uma Batalha Após A Outra
Pecadores
“*Sonhos de Trem*“

MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO

“Frankenstein”
Hamnet
Marty Supreme
Uma Batalha Após A Outra
*Pecadores*

MELHOR FIGURINO

Avatar: Fogo e Cinzas
“*Frankenstein*“
Hamnet
Marty Supreme
Pecadores

MELHOR CABELO E MAQUIAGEM

“*Frankenstein*“
Kokuho
Pecadores
Coração de Lutador: The Smashing Machine
A Meia-Irmã Feia

MELHOR MONTAGEM

*F1*
Marty Supreme
“Uma Batalha Após A Outra“
Valor Sentimental
Pecadores

MELHORES EFEITOS VISUAIS

“Avatar: Fogo e Cinzas“
*F1*
Jurassic World: Recomeço
O Ônibus Perdido
Pecadores

ONDE ASSISTIR

Em ordem alfabética

A Friend Of Dorothy: indisponível no momento
A Hora do Mal: HBO Max
A Meia-Irmã Feia: MUBI
A Pequena Amélie: em cartaz nos cinemas
A Vizinha Perfeita: HBO MAX
Alabama: Presos no Alabama: HBO MAX
Arco: MUBI
Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud: HBO
Avatar: Fogo e Cinzas: cinemas e em breve no disney+
Blue Moon: alugar prime video, youTube, google Play e apple TV
Bugonia: alugar na apple tv e no prime video;
Butterfly: arte.tv
Butcher's Stain: apple tv
Children No More: Were and are Gone: apple tv
Coração de Lutador: The Smashing Machine: prime video
Cutting Through Rocks: em breve na MUBI
Diane Warren: Relentless: em breve prime video
Elio: disney+
Embaixo da Luz Neon: apple tv
F1: apple tv
Foi Apenas Um Acidente: MUBI
Forevergreen: youtube
Frankenstein: Netflix
Guerreiras do K-pop: Netflix
Hamnet: nos cinemas
Jane Austen's Period Drama: youtube ou filmicca
Jurassic World: Recomeço: prime video
Kokuho: nos cinemas
Marty Supreme: nos cinemas
Mr Nobody Against Putin (Um Zé Ninguém Contra Putin): nos cinemas e prime video
O Agente Secreto: Netflix
O Diabo Não Tem Descanso: HBO Max
O Ônibus Perdido: apple tv
Pecadores: HBO Max
Perfectly A Strangeness: indisponível no momento
Quartos Vazios: Netflix
Retirement Plan: daily motion
Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria: telecine
Sirât: nos cinemas
Song Sung Blue: nos cinemas e aluguel no prime video
Sonhos de Trem: Netflix
The Girl Who Cried Pearls: indisponível no momento
The Singers: Netflix
The Three Sisters: youtube
The Voice of Hind Rajab: nos cinemas e aluguel no prime video
Two People Exchanging Saliva: youtube
Uma Batalha Após A Outra: HBO MAX
Valor Sentimental: MUBI
Viva Verdi!: indisponível no momento
Zootopia 2: 11/03 no disney+

#SP24hrs

Rivalidade Ardente, ou Heated Rivalry, é uma série de TV produzida pela canadense Crave e distribuída mundialmente pela HBO Max. Estreou…

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Rivalidade Ardente ou Heated Rivalry é uma série de TV produzida pela canadense Crave e distribuída mundialmente pela HBO Max, estreou no Brasil h…

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Perdi minha avó materna, Minervina, no final do ano passado, e o filme Adeus, Jude (Goodbye June), que entrou na Netflix em 24 de dezembro, me fez chorar como uma criança. Talvez pela coincidência de…

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Chega nesta quinta-feira (29) mais uma temporada de Bridgerton, da Netflix. Baseada no livro An Offer from a Gentleman, de Julia Quinn, a quarta temporada traz um toque de conto de fadas à la Cindere…

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Convidamos algumas newsletters que a gente lê e acompanha, e pessoas que escrevem sobre cultura, música e arte para colaborar com a gente nas escolhas. O resultado é um recorte preciso do que São Paulo teve de melhor, organizado nas seguintes categorias:

PARA DANÇAR com Ladrilho Hidráulico e Renan Guerra;
PARA VER SHOWS com Ítalo Rabelo Cobain, Renan Guerra e Ao Vivo;
PARA SE INSPIRAR E LER com Paulistanissima, Orbit, Viva Mais Cultura e Gaía Passarelli;
PARA COMER E BEBER com Cirilo Dias, do Coifa e Bernardo Guimarães , do SP.Afora;
PARA VER NAS TELONAS E OUVIR EM 2025 com Fabio Allves e Renan Guerra.

RETROSPECTIVA: PARA VER NAS TELONAS (SP24HRS)

OS CINEMAS DE RUA (SP24HRS)

Neste ano, priorizamos os cinemas de rua. São espaços que seguem fundamentais para a experiência coletiva do cinema e que continuamos escolhendo para ver filmes em tela grande.

• Cinesesc - Rua Augusta, 2075 - Cerqueira César

• Cine Marquise - Avenida Paulista, 2073 - Cerqueira César

• Cine Sala - Rua Fradique Coutinho, 361 - Pinheiros

• Reserva Cultural - Avenida Paulista, 900 - Bela Vista

• Espaço Petrobras de Cinema - Rua Augusta, 1475 - Consolação

• Multiplex PlayArte Marabá - Avenida Ipiranga, 757 - República

Ao longo do ano, também enfrentamos algumas perdas nessa lista. O cenário dos cinemas de rua em São Paulo segue fragilizado e expõe falhas recorrentes na política cultural da cidade.

MELHORES FILMES BRASILEIROS (SP24HRS)

• O Agente Secreto, de Kleber Mendonça Filho (Nos cinemas)

• Homem com H,de Esmir Filho (na Netflix)

• O Último Azul, de Gabriel Mascaro (dia 20/01 na Netflix)

• Ato Noturno, de Marcio Reolon e Filipe Matzembacher (Nos cinemas)

• O Melhor Amigo, de Allan Deberton (Telecine)

• Serra das Almas, de Lírio Ferreira (Netflix)

• Seu Cavalcanti, de Leonardo Lacca (Nos cinemas)

• Maurício de Sousa - O Filme, de Pedro Vasconcelos (Disney+)

• O Filho de Mil Homens, de Daniel Rezende (Netflix)

• Chico Bento e a Goiabeira Maraviosa, de Fernando Fraiha (Amazon Prime Video)

Menções: Milton Bituca Nascimento, de Flavia Moraes (GloboPlay) ;Maré Alta (Marco Calvani); A Batalha da Maria Antônia, de Vera Egito (Amazon); Oeste Outra Vez, de Érico Rassi; Lispectorante, de Renata Pinheiro; Ritas, de Oswaldo Santana e Karen Harley; Apocalipse nos Trópicos, de Petra Costa (Netflix); Bicho Monstro, de Germano de Oliveira (Streaming); Retratos Fantasmas, de Kleber Mendonça Filho (Netflix); e Vitória, de Andrucha Waddington (Globoplay).

MELHORES FILMES INTERNACIONAIS (SP24HRS)

• Pecadores, de Ryan Coogler (HBO Max)

• Uma Batalha Após a Outra, de Paul Thomas Anderson (HBO Max)

• Guerreiras do KPop,de Maggie Kang e Chris Appelhans (Netflix)

• Flow,de Gints Zilbalodis (Filmelier)

• Sirât, de Óliver Laxe (Nos Cinemas)

• Sonhos, de Michel Franco (Streaming)

• Mirrors No. 3, de Christian Petzold (Em breve Prime Video)

• A História do Som, de Oliver Hermanus (Em Breve nos Cinemas)

• Foi Apenas um Acidente (It Was Just an Accident), de Jafar Panahi (Nos cinemas)

• A Única Saída (No Other Choice), de Park Chan-wook (Nos cinemas)

Menções: Valor Sentimental, de Joachim Trier (Nos cinemas); DJ Ahmed, de Georgi M. Unkovski (Macedônia do Norte), Jovens Mães, de Luc Dardenne e Jean-Pierre Dardenne (Nos Cinemas); Extermínio: A evolução, de Danny Boyle (HBO Max), A Semente do Fruto Sagrado, de Mohammad Rasoulof (Telecine); Corações jovens, de Anthony Schatteman (Prime Video); A Hora do Mal, de Zach Cregger (HBO Max); Galinha,de György Pálfi (Alemanha, Grécia e Hungria); Era uma vez em Gaza, de Arab Nasser e Tarzan Nasser (Tarzan) e Sonhos de Trem, de Clint Bentley (Netflix).

PARA OUVIR MÚSICA

MÚSICAS QUE OUVIMOS MUITO EM 2025 (RENAN GUERRA)

Tentei criar algum equilíbrio entre a música brasileira e a internacional, então tem nomes importantes da gringa, como Robyn e Lady Gaga, assim como os nomes mais interessantes da atualidade, tipo a Rochelle Jorda ou o vozeirão da Annahstasia. Já do Brasil, passeamos por sons super novos, como a turma do Taj Ma House até o encontro de deusas da nossa música, como Lia de Itamaracá e Daúde.

• Tem Que Ter House” - Taj Ma House

• “Queimando Ice” - Irmãs de Pau, Brunoso & Duquesa

• Apocalipse” - Luedji Luna, Seu Jorge e Arthur Verocai

• “Dopamine” - Robyn

• “As negras” - Lia de Itamaracá e Daúde

• “Silk and Velvet” - Annahstasia

• “Santo” - Katy da Voz e as abusadas e Linn da Quebrada

• “Ladida” - Rochelle Jordan

• “Foguinho” - Gaby Amarantos

• “Abracadabra” - Lady Gaga

ARTISTAS QUE OUVIMOS MUITO (RENAN GUERRA)

Nessa lista eu mesclei alguns dos artistas mais importantes do ano em termos de impacto e interesse, como Bad Bunny e Rosalía até nomes que eu acredito que merecem ser ouvidos, como a Amaarae e a Yasmine Hamdan. Um pouquinho de hit e um pouquinho de novidades a serem descobertas.

• Bella e o Olmo da Bruxa

• Yasmine Hamdan

• Mochakk

• FKA twigs

• Clementaum

• Amaarae

• Katy da Voz e as Abusadas

• Rosalía

• Luedji Luna

• Bad Bunny

MÚSICAS QUE OUVIMOS MUITO EM 2025 (FABIO ALLVES)

• Abracadabra - Lady Gaga

• MEXE - Pabllo Vittar e NMIX

• Love in the Dark - Adele

• Eu Não Aprendi a Perdoar - Catto

• Denial Is A River - Doechii

• Eusexua - Fka Twigs

• Touch - Katseye

• Voz do Brasil - Urias

• Carta de Maria - Rubel e Marina Sena

• Numa Ilha - Marina Sena

• BAILE INolvidable - Bad Bunny

• Everybody Scream - Florence + The Machine

• Heavy Is The Crown - Linkin Park

• Foguinho - Gaby Amarantos

• Mio Cristo Piange Diamanti - Rosalia

ARTISTAS QUE OUVIMOS MUITO (FABIO ALLVES)

• Lady Gaga

• Catto

• Doechii

• Touch - Katseye

• Urias

• Marina Sena

• Bad Bunny

• Linkin Park

• Gaby Amarantos

• Rosalia

#SP24hrs

UM THRILLER ERÓTICO CONTEMPORÂNEO

Ato Noturno, novo filme de Filipe Matzembacher e Marcio Reolon (Beira-Mar e Tinta Bruta), reafirma a marca autoral da dupla ao articular sexualidade, cidade e ambição…

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JANEIRO 2026

• Avatar ★

• Adeus, June (Goodbye June) - Visto Na Netflix ★★★★

• Hamnet - Antes de Hamlet (Hamnet) - Visto na Pré Estreia ★★★★½

• Jovens mães (Letterboxd) ★★★★

• Se eu tivesse pernas, eu te chutaria (As Boas #063) ★★

• A Voz De Hind Rajab (Letterboxd) ★★★★½

• Marty Supreme (Letterboxd) ★★★½

• Ato Noturno (Letterbox) ★★★½

• Extermínio: O Templo dos Ossos (Letterbox) ★★★★

• Destruição Final 2 ½

• A única saída (Letterbox) ★★★★½

TRAILERS SP24hrs

01/01 - Jovens Mães

15/01 - O Beijo da Mulher Aranha

22/01 - Marty Supreme

29/01 - Hamnet

29/01 - Song Sung Blue: Um Sonho a Dois

29/01 - Socorro!

FEVEREIRO 2026

• Zafari (As Boas #067) ★★½

• Destruição final 2 ½

• Me ame com ternura (Letterbox e As Boas #067) ★★★

• Sonhos de trem ★★★½

• Sirât (As Boas #069) ★★★★

• A História do Som (As Boas #069 e Review) ★★★★½

TRAILERS SP24hrs

FEVEREIRO 2026

12/02 - O Morro dos Ventos Uivantes

19/02 - A História do Som

26/02 - Nuremberg

MARÇO 2026

• Mother’s baby (Letterboxd) ★★★½

• A Pequena Amélie ★★★★

• Enzo ★★★½

• Nuremberg ★★½

  ---

ABRIL 2026

TRAILERS SP24hrs

09/04 - O Drama

26/04 - Michael

30/04 - O Diabo Veste Prada 2

MAIO 2026

TRAILERS SP24hrs

14/05 - Na Zona Cinzenta

JUNHO 2026

TRAILERS SP24hrs

11/06 - Dia D

JULHO 2026

18/07 - A Odisseia

AGOSTO 2026

SETEMBRO 2026

OUTUBRO 2026

NOVEMBRO 2026

DEZEMBRO 2026

TRAILERS SP24hrs

17/12 - Duna: Parte Três

TRAILERS SP24hrs

#SP24hrs

A palavra tragédia, do grego tragōidía, ultrapassa o teatro clássico. É o movimento inevitável entre o nascimento e a morte, feito de fatalidades íntimas.

Sonhos de Trem parte dessa definição ampla pa…

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Hamnet: A Vida Antes de Hamlet (Focus Features)
Foi Apenas Um Acidente (Neon)
Valor Sentimental (Neon)
Pecadores (Warner Bros)
O Agente Secreto (Neon)
Train Dreams (Netflix)

Alternativa: Frankenstein (Netflix)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Hamnet: A Vida Antes de Hamlet
Foi Apenas Um Acidente
Valor Sentimental
Pecadores
O Agente Secreto
Frankenstein

MELHOR FILME COMÉDIA OU MUSICAL
BEST MOTION PICTURE, MUSICAL OR COMEDY

Marty Supreme (A24)
Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros)
No Other Choice (Neon)
Wicked: For Good (Universal Pictures)
Blue Moon (Sony Pictures Classics)
The Testament of Ann Lee (Searchlight Pictures)
Wake Up Dead Man (Netflix)

Alternativa: Bugonia (Focus Features)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Uma Batalha Após A Outra
No Other Choice
Blue Moon
Bugonia
Marty Supreme
Nouvelle Vague

MELHOR DIRETOR
BEST DIRECTOR, MOTION PICTURE

Paul Thomas Anderson, Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros)
Ryan Coogler, Pecadores (Warner Bros)
Joachim Trier, Valor Sentimental (Neon)
Chloé Zhao, Hamnet (Focus Features)
Kleber Mendonça Filho, O Agente Secreto (Neon)
Jafar Panahi, Foi Apenas Um Acidente (Neon)

Alternativa: Guillermo Del Toro, “Frankenstein” (Netflix)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Paul Thomas Anderson — Uma Batalha Após A Outra
Ryan Coogler — Pecadores
Joachim Trier — Valor Sentimental
Chloé Zhao — Hamnet
Jafar Panahi — Foi Apenas Um Acidente
Guillermo del Toro — Frankenstein

MELHOR ATRIZ EM FILME DRAMA
BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A MOTION PICTURE, DRAMA

Jessie Buckley – Hamnet (Focus Features)
Jennifer Lawrence – Morra, Meu Amor (Mubi)
Renate Reinsve – Valor Sentimental (Neon)
Tessa Thompson – Hedda (Amazon MGM Studios)
Julia Roberts – Depois da Caçada (Amazon MGM Studios)
Julia Garner – Weapons (Warner Bros)

Alternativa: Jodie Foster – A Private Life

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Jessie Buckley — Hamnet
Jennifer Lawrence — Morra, Amor
Renate Reinsve — Valor Sentimental
Tessa Thompson — Hedda
Julia Roberts — Depois da Caça
Eva Victor — Sorry, Baby

MELHOR ATRIZ EM FILME MUSICAL OU COMÉDIA
BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A MOTION PICTURE, MUSICAL, OR COMEDY

Rose Byrne, If I Had Legs I’d Kick You (A24)
Cynthia Erivo, Wicked: For Good (Universal Pictures)
Chase Infiniti, Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros.)
Amanda Seyfried, The Testament of Ann Lee (Searchlight Pictures)
Emma Stone, Bugonia (Focus Features)
June Squibb, Eleanor the Great (Sony Pictures Classics)

Alternativa: Kate Hudson,Song Sung Blue (Focus Features)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Rose Byrne — If I Had Legs I’d Kick You
Cynthia Erivo — Wicked: For Good
Chase Infiniti — Uma Batalha Após A Outra
Amanda Seyfried — The Testament of Ann Lee
Emma Stone — Bugonia
Kate Hudson — Song Sung Blue

MELHOR ATUAÇÃO DE UMA ATRIZ COADJUVANTE EM QUALQUER FILME
BEST PERFORMANCE BY AN ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE IN ANY MOTION PICTURE

Tânia Maria, O Agente Secreto (Neon)
Wunmi Mosaku, Pecadores (Warner Bros)
Elle Fanning, Valor Sentimental (Neon)
Ariana Grande, Wicked: For Good (Universal Pictures)
Amy Madigan, Weapons (Warner Bros.)
Teyana Taylor, Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros)

Alternativa: Inga Ibsdotter Lilleaas, Valor Sentimental (Neon) ou Jennifer Lopez, O Beijo da Mulher Aranha (Lionsgate/Roadside Attractions)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Elle Fanning — Valor Sentimental
Ariana Grande — Wicked: For Good
Amy Madigan — A Hora do Mal
Inga Ibsdotter Lilleaas — Valor Sentimental
Teyana Taylor — Uma Batalha Após A Outra
Emily Blunt — The Smashing Machine

MELHOR ATOR EM FILME DRAMA
BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A MOTION PICTURE, DRAMA

Wagner Moura, O Agente Secreto (Neon)
Michael B. Jordan, Pecadores (Warner Bros)
Joel Edgerton, Train Dreams (Netflix)
Dwayne Johnson, Coração de Lutador - The Smashing Machine (A24)
Oscar Isaac, Frankenstein (Netflix)
Paul Mescal, The History of Sound

Alternativa: Colin Farrell, Ballad of a Small Player (Netflix)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Wagner Moura — O Agente Secreto
Michael B. Jordan — Pecadores
Joel Edgerton — Sonhos de Trem
Dwayne Johnson — Coração de Lutador - The Smashing Machine
Oscar Isaac — Frankenstein
Jeremy Allen White — Springsteen: Deliver Me from Nowhere

MELHOR ATOR EM FILME MUSICAL OU COMÉDIA
BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A MOTION PICTURE, MUSICAL, OR COMEDY

Lee Byung Hun, No Other Choice (Neon)
Timothée Chalamet, Marty Supreme (A24)
Leonardo DiCaprio, Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros)
Jesse Plemons, Bugonia (Focus Features)
Ethan Hawke, Blue Moon (Sony Pictures Classics)
Daniel Craig, Wake Up Dead Man : A Knives Out Mystery

Alternativa: Brendan Fraser, “Rental Family” (Searchlight Pictures)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Lee Byung-Hun — No Other Choice
Timothée Chalamet — Marty Supreme
Leonardo DiCaprio — Uma Batalha Após A Outra
Jesse Plemons — Bugonia
Ethan Hawke — Blue Moon
George Clooney — Jay Kelly

MELHOR ATUAÇÃO DE UM ATOR COADJUVANTE EM QUALQUER FILME
BEST PERFORMANCE BY AN ACTOR IN A SUPPORTING ROLE IN ANY MOTION PICTURE

Benicio Del Toro, Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros)
Jacob Elordi, Frankenstein (Netflix)
Paul Mescal, Hamnet (Focus Features)
Sean Penn, Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros)
Stellan Skarsgård, Valor Sentimental (Neon)
Alexander Skarsgård, “Pillion” (A24)

Alternativa: Miles Caton, Pecadores (Warner Bros)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Benicio del Toro — Uma Batalha Após A Outra
Jacob Elordi — Frankenstein
Paul Mescal — Hamnet
Sean Penn — Uma Batalha Após A Outra
Stellan Skarsgård — Valor Sentimental
Adam Sandler — Jay Kelly

MELHOR ROTEIRO
BEST SCREENPLAY, MOTION PICTURE

Hamnet (Focus Features) — Maggie O’Farrell and Chloé Zhao
Uma Batalha Após A Outra (Warner Bros) — Paul Thomas Anderson
O Agente Secreto (Neon) — Kleber Mendonça Filho
Pecadores (Warner Bros.) — Ryan Coogler
Valor Sentimental (Neon) — Joachim Trier and Eskil Vogt
Foi Apenas Um Acidente (Neon) — Jafar Panahi

Alternativas: Train Dreams (Netflix) — Clint Bentley and Greg Kwedar
Bugonia (Focus Features) — Will Tracy
Marty Supreme (A24) — Ronald Bronstein and Josh Safdie

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Chloé Zhao & Maggie O’Farrell — Hamnet
Paul Thomas Anderson — Uma Batalha Após A Outra
Ryan Coogler — Pecadores
Joachim Trier & Eskil Vogt — Valor Sentimental
Jafar Panahi — Foi Apenas Um Acidente
Ronald Bronstein & Josh Safdie — Marty Supreme

MELHOR ANIMAÇÃO
BEST MOTION PICTURE, ANIMATED

Arco (Neon)
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba Infinity Castle (Crunchyroll)
Elio (Pixar)
Ne Zha 2 (A24)
KPop Demon Hunters (Netflix)
Little Amélie or the Character of Rain (GKids)
Zootopia 2 (Walt Disney Pictures)

Alternativa: “In Your Dreams” (Netflix)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Arco
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Infinity Castle
Elio
Guerreira do KPop
Little Amélie or the Character of Rain
Zootopia 2

MELHOR FILME INTERNACIONAL OU ESTRANGEIRO
BEST MOTION PICTURE, FOREIGN LANGUAGE

Foi Apenas Um Acidente - França (Neon)
No Other Choice - Coréia do Sul (Neon)
O Agente Secreto - Brasil (Neon)
Valor Sentimental - Noruega (Neon)
The Voice of Hind Rajab - Tunisia (Willa)
Sirāt - Spain (Neon)

Alternativa: Belén - Argentina (Amazon MGM Studios)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Foi Apenas Um Acidente (França)
No Other Choice (Coreia do Sul)
O Agente Secreto (Brasil)
Valor Sentimental (Noruega)
The Voice of Hind Rajab (Tunísia)
Sirāt (Espanha)

REALIZAÇÃO CINEMATOGRÁFICA E DE BILHETERIA NO CINEMA
GOLDEN GLOBE FOR CINEMATIC & BOX OFFICE ACHIEVEMENT

Pecadores (Warner Bros)
Superman (Warner Bros)
Wicked: For Good (Universal Pictures)
F1: The Movie (Apple)
Zootopia 2 (Disney)
KPop Demon Hunters (Netflix)

Alternativa: Ne Zha 2 (A24)

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Pecadores
Wicked: For Good
F1
Zootopia 2
Guerreiras do KPop
Missão: Impossível O Acerto Final
Hora Do Mal
Avatar: Fire and Ash

MELHOR TRILHA
BEST ORIGINAL SCORE

Hamnet
Frankenstein
Marty Supreme
Uma Batalha Após A Outra
Pecadores
Train Dreams

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

Max Richter — Hamnet
Alexandre Desplat — Frankenstein
Jonny Greenwood — Uma Batalha Após A Outra
Ludwig Göransson — Pecadores
Hans Zimmer — F1
Kangding Ray — Sirāt

MELHOR CANÇÃO
BEST SONG

Drive by Ed Sheeran, John Mayer, Blake Slatkin (F1: The Movie)

Highest 2 Lowest by Aiyana-Lee Anderson and Nicole Daciana Anderson (Highest 2 Lowest)

Golden by EJAE and Mark Sonnenblick (KPop Demon Hunters)

I Lied to You by Ludwig Göransson and Raphael Saadiq (Pecadores)

The Girl in the Bubble by Stephen Schwartz (Wicked: For Good)

Dream as One by Miley Cyrus, Simon Franglen, Mark Ronson and Andrew Wyatt (Avatar: Fire and Ash)

Alternativas: Train Dreams by Nick Cave, Bryce Dessner (Train Dreams).

⭐ INDICADOS GLOBO DE OURO 2026

“Dream As One” — Avatar: Fire and Ash
“Golden” — Guerreiras do KPop
“I Lied to You” — Pecadores
“No Place Like Home” — Wicked: For Good

“The Girl in the Bubble” — Wicked: For Good
“Train Dreams” — Sonhos de Trem

#SP24hrs

CINEMA E RESISTÊNCIA

Filmes rodados clandestinamente, sem a “permissão” das autoridades iranianas, que apresentam o cinema denúncia de Jafar Panahi após anos de vetos e prisões, isso por si só já é um ato de resistência. Mas o cineasta vai além. Ele é uma voz dissidente que conhece bem a dureza da repressão estatal. Em 2010 ele foi preso e proibido de filmar por um longo período. Mesmo assim continuou produzindo secretamente, incluindo o longa que estreia esta semana no Brasil.

Foi Apenas Um Acidente foi realizado após uma detenção de sete meses que se encerrou quando ele declarou greve de fome. Em dezembro de 2025 o diretor foi condenado novamente, à revelia, a um ano de prisão e proibido de deixar o país por dois anos (se retornar), acusado de propaganda contra o governo.

Nesse sentido o cinema do diretor não surge em um vácuo. Ele é diretamente ligado a um Irã marcado por censura, controle social, brutalidade estatal e arbitrariedade jurídica. A escolha de contar essa história agora e de apresentá-la publicamente, sendo premiada com a Palma de Ouro no Festival de Cannes, ganha um peso simbólico que funciona quase como uma bandeira contra a impunidade e o silenciamento das pessoas que vivem no país.

REPRESSÃO VIRA POTÊNCIA GLOBAL

O filme já entrou no circuito internacional de festivais e premiações, com distribuição global, e sua força simbólica vem arrebatando onde passa como documento de denúncia. A narrativa tende a ressoar além do contexto iraniano, alcançando plateias que nem sempre compreendem a realidade por trás das manchetes.

A visibilidade internacional do longa cria um contexto em que a obra se apresenta como candidata natural a reconhecimento em premiações importantes, incluindo o Oscar de Melhor Filme Internacional. Não seria surpresa se conquistasse o prêmio no Oscar 2026 onde O Agente Secreto concorre, reforçado pelo contexto político recente.

URGÊNCIA, DOR E AMBIGUIDADE

O filme combina horror, drama, humor e sátira em camadas. Um atropelamento de cachorro, uma oficina de automóveis e uma perna protética que range ganham significados com culpa, medo e paranoia.

Não se trata apenas de memória sobre o horror direto da tortura. O diretor expõe engrenagens de um sistema corrupto que nunca é totalmente visível. Mostra privilégios, sobrevivência e decisões que se transformam as pessoas em um regime autoritário. A exceção vira regra e a cultura social imposta pelo Estado se torna veneno silencioso, contaminando a convivência humana.

ELENCO DE MEMÓRIA COLETIVA

Embora o protagonista seja Vahid, o mecânico que acredita reconhecer seu torturador, o longa não se limita à sua jornada individual. Aos poucos somos apresentados a outros sobreviventes, cada um com sua história, violência e perda. Essa pluralidade de vozes revela diferentes reações diante da mesma injustiça. Há o impulso de vingança, a dúvida, a necessidade de justiça, o desejo de perdão e a impotência.

A construção dramática usa o som e a interpretação como espinha dorsal de uma sobrevivência compartilhada. É como se o público também fosse vendado, em busca de respostas, enfrentando suas próprias histórias, medos e lembranças. Isso irradia dor simbólica, nos materializa naquele lugar. Panahi não entrega respostas fáceis. Muitos dos momentos mais potentes do filme nascem do contraste entre o ordinário e o monstruoso, quando algo banal revela uma ferida profunda que nunca cicatrizou.

Afinal, poderia ser apenas um acidente.

FICHA TÉCNICA

Título original: Yek Tasadof-e Sadeh
Direção e roteiro: Jafar Panahi
Produção: Jafar Panahi e Philippe Martin
Produtoras: Jafar Panahi Productions e Les Films Pelléas
Coprodução: Bidibul Productions, Pio & Co e Arte France Cinéma
Direção de fotografia: Amin Jafari
Design de produção: Leila Naghdi
Montagem: Amir Etminan
Elenco: Vahid Mobasseri, Maryam Afshari, Ebrahim Azizi, Hadis Pakbaten, Majid Panahi, Mohamad Ali Elyasmehr, Georges Hashemzadeh e Delmaz Najafi
Distribuição (Brasil): MUBI | World Sales: MK2 Films
Ano: 2025
Países de produção: Irã, França e Luxemburgo
Formato: Cor

Texto: Fabio Allves @fabioallves

#SP24hrs

Brasil | Biografia | 16 anos | 130 minutos | Paris Filmes

Um olhar sobre um dos artistas LGBT+ mais importantes da música brasileira. Interpretado com entrega por Jesuíta Barbosa, Ney Matogrosso ganha…

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Estreou este mês na HBO Max a série documental ÂNGELA DINIZ: ASSASSINADA E CONDENADA, que aborda a vida e a morte de Ângela Diniz, socialite mineira conhecida por sua independência, beleza e presença social. A produção acompanha sua trajetória desde o fim do casamento com o engenheiro Milton Vilas Boas até seu assassinato em dezembro de 1976. A narrativa, baseada no podcast “Praia dos Ossos”, foca na mulher por trás do mito, destacando não apenas a tragédia do crime, mas a vida de Ângela como uma mulher livre, com desejos, escolhas e batalhas travadas em um período em que as mulheres tinham pouca voz, revisitando a mudança de percepção social sobre o feminicídio no Brasil e a mobilização feminista dos anos 1970 e 1980.

ENTRE DISCO, MPB, SOUL E ROCK BRASILEIRO

A série transforma a música em uma narrativa paralela, revelando a mulher, o mito e a tragédia por trás da história. A trilha sonora, assinada por Antonio Pinto e Gabriel Ferreira, responsáveis por construir a atmosfera que transporta o telespectador para dentro da obra, é sem exagero um dos elementos mais bem executados da produção. Ela reforça o clima intelectual e boêmio ao apresentar a vida social cosmopolita da elite carioca e mineira, deixando a audiência enérgica e tensa nos contrastes entre glamour e turbulência emocional. Torna-se uma segunda narrativa, tão eloquente quanto os diálogos e tão expressiva quanto o trabalho dos atores.

As músicas escolhidas para a série não estão ali apenas para ambientar. Elas cumprem uma função narrativa específica, ajudando a traduzir Ângela e suas emoções, revelando quem ela era ao transitar entre liberdade, glamour, violência e tragédia, resultando em um mergulho sensorial que mistura MPB, disco, soul e rock brasileiro.

Sua personalidade é evocada ao som de Angêla Ro Ro, Rita Lee e Gal Costa, quase como uma voz interior. Já a vulnerabilidade da personagem surge em momentos guiados por Pra Dizer Adeus, de Maria Bethânia, ou To Fall in Love, de Tim Maia, canções que reforçam seus estados de solidão e conflitos internos. Essa camada da trilha transforma Ângela de símbolo em pessoa.

A escolha de Boney M., KC & The Sunshine Band, Tavares e Wild Cherry não é um aceno aleatório ao período. Essas músicas trazem uma sensação de festa permanente e ritmo frenético, um brilho quase falso que esconde algo mais sombrio, como se tudo se movesse ao compasso da música enquanto a tragédia se aproxima.

É evidente que a curadoria tem consciência histórica ao seguir a linha temporal da narrativa, mostrando a contracultura, a experimentação artística, a busca por liberdade e o choque entre tradição e modernidade. Tudo isso permeava a vida de Ângela, que estava sempre no olho do furacão. Essa força fica evidente quando ouvimos Raul Seixas, Novos Baianos, Cassiano ou Erasmo Carlos. A série não apenas retrata a época, mas a ruptura social da qual Ângela fazia parte.

Não é apenas pela seleção de clássicos que a trilha se destaca. Ela dança e sangra ao mesmo tempo, trazendo beleza sedutora, violenta e honesta, com cada faixa cumprindo uma função narrativa clara ao revelar camadas e amplificar o impacto emocional da história. Fica evidente que, mesmo se a série fosse muda, a trilha ainda seria capaz de contar a história com a mesma força e intensidade.

Ouça a playlist:

Texto: Ítalo Rabelo @italocobain

Edição:

#SP24hrs